Tan sólo quería utilizar este triste blog para poner mi granito de arena en la web, ser uno más de los muchos (¿pocos?… ¿muchos?) que están ofendidos y profundamente asqueados por las cargas policiales y la represión en Valencia. Ver decenas de furgones policiales y un despliegue de antidisturbios tomar las calles en plan guerrilla urbana contra el lo que el jefe de la policía nacional en Valencia denomina “el enemigo” —o sea, unos estudiantes con pancartas— es realmente triste y, de hecho, desde la distancia del exilio, no he podido evitar unas incipientes lágrimas por la deriva que están tomando las cosas en mi país. Y Rajoy preocupado por la imagen. Vete al pairo, hombre.

Para una noticia buena que viene de aquel rincón, es decir, la expresión pacífica e inteligente de la juventud, ellos tienen que aplastarlo con doble cantidad de ignominia. Lo peor de todo es que lo que consiguen es justo lo que quieren, es decir, que hablemos de la violencia policial, en lugar de lo que todos estos estudiantes querían hablar. Al fin y al cabo de estas cosas se olvida todo el mundo. Es realmente desolador ver a niñas empujadas, abuelas gritando y llorando, ancianos detenidos y aplastados contra la pared, familias espantadas viendo a sus hijos entrar en el furgón, sabiendo que no habían hecho nada. “¿Puede mi madre venir conmigo…?”

Pero qué infamia es esta, por favor. Qué pena. #primaveravalenciana

Dimisión de la delegada del gobierno

Dimisión del jefe superior de la policía nacional de la Comunitat Valenciana

Dimisión del jefe de la unidad de antidisturbios

¿Por qué llevas el casco, si no tienes cerebro?

Ayer asistimos patitiesos a la perpetración anal, perdón, anual, de los Goyardones al cine español y fuimos testigos (¡víctimas!) de sus momentos cumbre: del mensaje rancio del discurso del nuevo presidente de la Academia, de esa pulverización del récord de los límites del decoro y la vergüenza ajena que supuso el ‘rap del patio de butacas’… en fin. Ya tú sabes.

Y mientras se sucedían los improperios a la sensibilidad del espectador y las reivindicaciones políticas típicas de este colectivo, yo volvía a preguntarme una vez más algo que siempre me ha intrigado: ¿por qué el mundo del cine se muestra alineado en bloque con la ideología de la izquierda? Es decir, de la izquierda populista, porque su mensaje, para ser sinceros, es simplista y demagogo. Pero izquierda, al fin y al cabo. Es un tema interesante, ¿no creen? Para mí, es algo tan raro como podría ser que los deportistas tuviesen la costumbre, así, en bloque, en plan cofradía, de defender ideas de la derecha. Absurdo, ¿verdad? Cada uno tiene su opinión, y la estadística indica que esas cosas deberían estar más distribuídas.

Que conste que yo no me considero de derechas, y que esta reflexión no viene inspirada por un rechazo a la izquierda recalcitrante, esa izquierda fast-food de saldo y facebook (en realidad lo que me produce es perplejidad y curiosidad antropológica, al igual que su equivalente al otro lado del espectro), sino por lo incomprensible de esa adscripción gremial sin fisuras. Y es que no me pregunto por qué este actor o aquél director concretos son de izquierdas o dejan de serlo, ni por qué a Willy Toledo le da por hacer las cosas que hace (vilipendiado en exceso el pobre, parece que hay gente nacida para caer mal), sino, repito, por qué todos parecen compartir la misma ideología.

Y es que cineastas, actores, actrices, directores y otros oficios del celuloide parece que no desperdician la más mínima ocasión para levantar su puño contra la guerra (de Irak), a favor de Cuba, de la memoria histórica (ese pleonasmo del que hablaba Albiac), de la apología de lo público… Por cierto, en la gala de ayer, Kike Maíllo se ocupó de hacerle prometer a la niña Claudia Vega que continuara estudiando, y que lo hiciera en escuelas públicas. A mí aquello me recordó a los Testigos de Jehová, que prefieren morirse a recibir una transfusión de sangre.

Entre tanta crítica a los recortes a RTVE, tanto momento Anonymous (que seguramente tenían pase backstage) y tanto momento Garzón (aunque, todo sea dicho, Coixet tenía más excusa que nadie), el nuevo Presidente de la Academia se mostró con su discursito de marras como un perfecto iconoclasta, un valiente predicador en un desierto ‘progre’ (agh, odio usar esa palabra, pero aquí calza bien). Y ya he dejado claro que su discurso me produjo urticaria, como lo hace el de Urbizu, esa figura irrelevante que nos trajo el cliché de “Caja 507” y que se empeña a meternos a Resines en la sopa. Todo muy de Antiguo Régimen, muy pro-Ley Sinde, en lo que concierne a sus lentejas claro. Y después nos saltamos el derecho de defensa. Pero dejemos eso, que no es el momento ahora.

El caso es que con todo esto de los Goyas me he quedado barruntando en la pregunta inicial, en por qué si eres del mundo del cine entonces tautológicamente has de ser de izquierdas. Y se me ocurren varios motivos.

Por supuesto, la acusación habitual resuena la primera, y es que la ‘casta’ del cine español defiende los valores de izquierdas porque responden mejor al sistema del que ellos han venido haciendo uso, es decir, el de las subvenciones estatales a la producción cinematográfica (y que yo, personalmente, no critico sino en sus excesos y corrupciones). Evidentemente, la opción opuesta sería reducir el gasto público en algo que no reporte un beneficio económico. En efecto, la consecuencia matemática es una complacencia del colectivo hacia la mano que, en muchas ocasiones, posibilita su trabajo. Este motivo no tiene un soporte de credibilidad, como es de suponer. Nadie se hace de izquierdas porque recibe una subvención, ¿cierto?

O quizá sea todo lo contrario, es decir, que los artistas, al ser observadores íntimos y espejos líricos del alma humana y los más elevados valores, sean seres humanos de una sensibilidad especial, una sensibilidad de paz, altruísmo, solidaridad, tolerancia, libertad y todos esos ideales a los que la derecha, aparentemente, es insensible. La derecha, al fin y al cabo, es el demonio que aplasta al obrero humilde, que inicia guerras, que traiciona todo lo bueno del espíritu humano. Pero esto tampoco se sostiene, ¿verdad? Y es que para toda regla hay excepciones (y aquí os sorprenderéis), como la actriz Amparo Baró que siempre ha dicho ser de derechas, y otros como Alfredo Landa, Fabio MacNamara… ¿Son todos ellos insensibles e inhumanos egoístas? No lo parece. Eso sí, no expresan sus ideas en voz muy alta, quién sabe por qué motivo. Quizá para que no les pase como a Russian Red.

Puede que no sea ni por interés ni por altruísmo, sino por way of life. Los artistas tienen una vida más bohemia, más libertina, fuera de los parámetros morales convencionales. O, al menos, eso es lo que se espera de ellos, ¿verdad? Excéntricos, promíscuos, coqueteando con las drogas, la vida nocturna… ese es el tópico, ¿verdad? Y la derecha siempre ha sido esa vigilante moral, esa madre superiora gorda y con verrugas que te fustiga y te obliga a rezar un Ave María, que te dice que irás al infierno. La derecha, esa religión que te corta todo el rollo. Pero nadie es de izquierdas para justificar políticamente su poligamia o sus extremos, ¿verdad? Los mayores escándalos sexuales han venido siempre de la derecha, al fin y al cabo. Mirad a Pedro J.; de hecho, “El Mundo” tiene una línea editorial muy abierta y moderna en este sentido.

O quizá sea algo mucho más profundo. Algo específicamente cinematográfico. ¿Es posible que haya una conexión hermenéutica entre el lenguaje del cine, de la imagen en movimiento y el montaje, y cierta cosmovisión política? ¿Es la crítica social burguesa que representa el cine una manifestación cultural del socialismo? ¿Es el cine una demanda de estado de bienestar, de igualdad de clases, de eliminación de la diferencia y el privilegio? Eso explicaría por qué, como decía Vicente Aranda, la derecha se niega a ver cine español. Pero parece que no es así. No solo porque el cine, como lenguaje burgués, también es el lenguaje de la individualidad, el canto a la personalidad y al héroe, la seducción inmediata y la satisfacción capitalista de un intercambio frívolo (de hecho, el cine es el dominio de la superproducción, de las cifras multimillonarias… el negocio definitivo). Sino también porque hay muestras de lo contrario: Leni Riefenstahl, José Luis Sáenz de Heredia y muchos otros probaron que el lenguaje del cine puede ser el lenguaje del franquismo y la propaganda fascista.

En fin, que me quedo como estaba, sin aclararme. Quizá en los comentarios podáis aportar alguna luz. Lo agradezco de antemano.

Vivimos un momento en el que el PP tiene mayoría absoluta, y entiendo que ha llegado el momento en que la izquierda debe refundarse. Esta entrada, hasta cierto punto sarcástica, no pretende hurgar en la herida de la derrota de la izquierda en las últimas elecciones. Pero creo que es el momento de ser honestos, pragmáticos y serios. El corporativismo es la muerte de la opinión verdadera y no debemos perpetuar los tópicos de una España que ya aburre.

Ya sé que no soy el primero en hablar de “Irreversible” (Noé) y “Memento” (Nolan) y sus características narrativas comunes. Pero no puedo evitar escribir un par de párrafos acerca de las profundas diferencias que quedan en evidencia precisamente por un parecido anecdótico.

Todos sabemos que ambas películas son contadas “hacia atrás”, es decir, que empiezan con el final (cronológicamente hablando) y al finalizar cada escena se produce un ‘salto’ a un tiempo anterior al principio de la misma. Esto, evidentemente, tiene consecuencias dramáticas e implicaciones que, en cada caso, son más o menos evidentes.

En “Memento” este tratamiento viene dado por la condición que sufre nuestro protagonista, una patología neuronal que le impide recordar nada a medio o largo plazo. Su memoria se va ‘reseteando’ cada pocos minutos. De este modo, cuando el espectador ve la secuencia inicial, está exactamente igual que el protagonista, es decir, no sabe nada de lo que ha ocurrido previamente. Esto genera curiosidad y ganas de saber qué está ocurriendo. Cuando la historia comienza a rebobinarse, vamos juntando las piezas, y el espectador va aprendiendo lo que el protagonista sigue sin saber… hasta cierto punto. Y digo hasta cierto punto porque la pieza más importante (¿se puede confiar en Teddy?) se deja sin aclarar por aquello de la tensión y el trhiller. Si bien “Memento” nos habla de las bases de la confianza, de traición y abuso, este método narrativo no pasa de ser una audacia formal, como todo el cine de Nolan, siempre preocupado por la seriedad, la perfección del artefacto que tiene entre manos. Para él, una película son engranajes formales, estilísticos, en los que anda tan preocupado que descuida siempre el elemento humano, el componente filosófico. Nolan es Escher.

En el caso de “Irreversible”, este artificio narrativo viene dado, en cambio, por un intenso sabor filosófico: las ondas expensivas del tiempo y del devenir de nuestras acciones están guiadas por el determinismo más absoluto. Así, la brutalidad de las secuencias iniciales (el club gay, la escena del túnel) deja paso a todo lo que ocurrió antes de la tragedia, lo cual puede parecer un anti-clímax total (lo que no ocurre en “Memento”, siempre repleta de persecuciones y acción hasta el final), un anti-clímax que deviene en un lirismo y una paz profundamente desasosegante… porque sabemos lo que va a ocurrirles a los personajes. Vemos a los personajes reir, bailar, hablar de nimiedades, pero nosotros no vemos eso, vemos lo que va a ocurrirles, y lo triste que supone su desconocimiento de lo que les espera. En efecto, nuestra mente sufre cuando se oye a sí misma decir “No sabéis lo que os espera”. Os espera lo peor. Y vosotros, mientras, hablando de chicas y tomando una copa, con la guardia baja. Disfrutad mientras sois ignorantes de lo inexorable, lo inevitable. Este conocimiento es tan amargo, que cuando se alcanza el lirismo de las escenas finales duele recordar el inicio, es decir, el final que empaña su futuro próximo, el modo en que esa belleza será aplastada. Es incluso terrorífico, produce auténtico terror pensar que no podemos cambiar lo que va a ocurrirnos, que algo terrible nos acecha a la vuelta de la esquina, que estamos plácidamente intalados en nuestro pensamiento de que todo está bien, todo está bajo control. En este sentido Noe se acerca (salvando las distancias) a la reflexión que hay tras el cine de Haneke. Ah, si tan sólo supieras el horror que te espera. Y que no hay manera de cambiarlo. Las escenas iniciales ahí están, lo demuestran. La tragedia te manipulará y la ilusión de tu libertad se resquebrajará. El artilugio narrativo pasa a ser la mismísima fuerza que empuja tu vida real a través del determinismo del tiempo.

Y esto son las “pelis del revés”, esa visión del narrador por encima de las ataduras del tiempo, ese conocimiento que no sabes muy bien si quieres tener. “Memento” hace sentirte bien, te hace sentir ‘clever’, ‘inteligente’, porque consigues poner la penúltima pieza en el puzzle — y el hecho de que falte la pieza final le da un cierto caché a la película, un punto de apertura a la interpretación. “Irreversible” no te hace sentir listo; te hace sentir frágil, temeroso, impotente. Todas las piezas están ahí, tú no tienes que poner ninguna. La pieza final en tu vida la pone un violador, un desconocido. La diferencia es tan inmensa que la comparación entre estas pelis es, como decía, puramente accidental.

Este mes he visto menos pelis por culpa del cierre de Megavid… digooo, porque estoy estudiando un curso en la Universidad de Lincoln y me quita tiempo. Sin embargo, no quiero dejar pasar mi lista de películas videadas, cada una de ellas con sus estrellitas correspondientes. Ya sabéis que todo esto es cuestión de gustos pero que, si lo dice Alex Onôv, es así y punto. Algunas de ellas las he comentado en FilmBunker.NET, La Cabeza de Nimoy o Fuerza Vital.

1. Sympathy for Mr. Vengeance
 (Chan-wook Park, 2002) ✪✪✪✩✩
2. Branded to Kill
 (Seijun Suzuki, 1967) ✪✪✪✪✪
3. Carnival of Souls (Herk Harvey, 1962) ✪✪✪✩✩
4. Alice, Sweet Alice (Alfred Sole, 1976)  ✪✪✪✩✩
5. 
The Woodsman (Nicole Kassell, 2004) ✪✪✪✩✩
6. 
Badlands (Terrence Malick, 1973) ✪✪✪✪✪
7. Dust Devil (Richard Stanley, 1982) ✪✪✪✩✩
8. Beginners (Mike Mills, 2010) ✪✪✪✩✩
9. Bug (William Friedkin, 2006) ✪✪✪✩✩
10. Army of Shadows (Jean Pierre Melville, 1969) ✪✪✪✪✪
11. 
Hunger (Steve Mc Queen, 2008) ✪✪✪✪✩
12. Harakiri (Masaki Kobayashi, 1962) ✪✪✪✪✪
13. Dead and Buried (Gary Sherman, 1981) ✪✪✪✩✩
14. 
Kill List (Ben Wheatley, 2011) ✪✪✪✪✩
15. The Twilight Samurai (Yôji Yamada, 2002) ✪✪✪✪✩
16. 
The Burrowers (J. T. Petty, 2008) ✪✩✩✩✩
17. 
The Sacrifice (Andrei Tarkevski, 1986) ✪✪✪✪✩
18. Stalker (Andrei Tarkevski, 1979) ✪✪✪✪✪
19. 
Book of Blood (John Harrison, 2009) ✪✪✪✩✩
20. 
Drive (Nicolas Winding Refn, 2011) ✪✪✪✩✩
21. 
Step Brothers (Adam McKay, 2008) ✪✪✩✩✩
22. 
Boy A (John Crowley, 2007) ✪✪✪✩✩
23. 
Tucker and Dale vs Evil (Eli Craig, 2010)  ✪✪✪✪✩
24. 
The Thing (Matthijs van Heijningen Jr., 2011)  ✪✪✩✩✩
25. X-Men: First Class (Matthew Vaughn, 2011) ✪✪✩✩✩
26. Jeremiah Johnson (Sydney Pollack, 1972)  ✪✪✪✪✪
27. Rammbock: Berlin Undead (Marvin Kren, 2010) ✪✪✪✩✩
28. The Day After (Nicholas Meyer, 1983) ✪✪✪✩✩
29. Cold Fish (Shion Sono, 2010) ✪✪✪✪✩

Películas pendientes de ver en estos primeros meses de 2012 (algunas son asignaturas pendientes del invierno pasado, y además la lista ha crecido… ay ay ay). En negrita, las prioritarias.

Mi mujer también es maestra y, por lo visto, mucho mejor que yo. Una muestra más de su buen trabajo es esta recopilación de ejemplos de su clase el día en que les enseñó lo que es una metáfora. Son niños de 9 o 10 años que, aparentemente, captaron la idea excepcionalmente bien. Lo interesante es que en estos ejemplos el ‘tenor’ (objeto o cosa real objeto de la identificación) está omitido en sus expresiones, que únicamente constan del ‘vehículo’ (término imaginario). Así son infinitamente más poéticas y sugerentes. La mente de un niño.

• Luces flotantes de la noche
• Chocolate derretido, frío de la tierra
• El agua blanca de los ojos negros de Nebraska
• Bestia de fuego
• Bola brillante de la noche
• Sangre del volcán por el que respiro
• Pelo de una flor
• La pestaña de una palabra
• Las manos del tiempo sobre la pared
• Las figuras diosas de la noche

Películas vistas en diciembre, con calificación.

1. Stroszek (Werner Herzog, 1977) ★★★★★
2. Midnight Cowboy (John Schlesinger, 1969) ★★★★★
3. Taxidermia (György Pálfi) ★★★★★
4. Martyrs (Pascal Laugier) ★★★★☆
5. The Yellow Sea (Hong-Jin Na) ★★★★☆
6. Melancholia (Lars Von Trier) ★★★☆☆
7. The Tree of Life (Terrence Malick) ★★★★☆
8. Outrage (Takeshi Kitano) ★★★☆☆
9. Enter the Void (Gaspar Noé) ★★★☆☆
10. The Woman (Lucky McKee) ★★☆☆☆
11. Kagemusha (Akira Kurosawa) ★★★★★
12. Unforgiven (Clint Eastwood) ★★★★☆
13. Source Code (Duncan Jones) ★★★☆☆
14. Limitless (Neil Burger) ★★☆☆☆
15. Snowtown (Justin Kurzel) ★★★★☆
16. Red State (Kevin Smith) ★☆☆☆☆
17. À l’intérieur (Alexandre Bustillo) ★★★★☆
18. High Tension (Alexandre Aja) ★★☆☆☆
19. Thirst (Chan-wook Park) ★★★★☆
20. Secuestrados (Miguel Ángel Vivas) ★★★☆☆
21. I Spit on Your Grave (Steven R. Monroe, 2010) ★☆☆☆☆
22. I’m Not There (Todd Haynes) ★★★☆☆
23. Frontiere(s) (Xavier Gens) ★★★☆☆
24. Patton (Franklin J. Schaffner, 1970) ★★★★★
25. The Fury (De Palma, 1978) ★★★★☆
26. Magic Trip (Documental) ★★★☆☆
27. We Need to Talk About Kevin (Lynne Ramsay) ★★★★☆
28. Stephen King’s Bag of Bones (TV) ★☆☆☆☆
29. Cold Fish (Shion Sono) ★★★★☆
30. The Day After (1983) ★★★☆☆
31. The Dead (Howard J. and Jon Ford) ★★★☆☆

Películas para ver en invierno (algunas son asignaturas pendientes del otoño…)

1. “The Raid” Gareth Evans
2. “Notre Jour Viendra” Romain Gavras
3. “Monkey Shines” George A Romero
4. “Human Centipede 2″ Tom Six
5. “Come and See”, 1985, Elem Klimov
6. “Juan de los Muertos” Alejandro Brugués
7. “Dark Horse” Todd Solondz
8. “Threads”, Mick Jackson, 1984
9. “Direktøren for det hele”, 2007, Lars Von Trier
10. “John dies at the end” – Don Coscarelli
11. “Hara-Kiri” de Takashi Miike (2010)
12. “Four Lions” de Christopher Morris (2010)
13. “Häxan, La brujería a través de los tiempos”, 1923 de Benjamín Christensen
14.  “Familiar” (Your body might be your worst nightmare)
15. “Towel Head” (Alan Ball)
16. “The Ward”, John Carpenter.
17. “The Coffin” de Ekachai Uekrongtham
18. “Ensalada Baudelaire” (1978)
19.  “Tridtsat Tri”, de Georgi Daneliya

Se está produciendo un resurgir del género de terror en España y Francia en los últimos años. La franquicia ‘REC’ está cortando casi toda la pana en territorio nacional y se producen películas como Secuestrados que parecen inspiradas en una visión (discutiblemente) hanekiana de la intensidad, mientras que los galos están ofreciendo su género de forma más diseminada pero siguiendo unas directrices generacionales de las que voy a hablar a continuación.

Sé que esta entrada llega tarde. Las películas que voy a mencionar en este humilde artículo tienen entre dos y cuatro años, alguna de ellas incluso ocho. Y es que la “nueva ola” de terror francés se ha prodigado a lo largo de la segunda mitad de la primera década de este nuevo milenio y es ahora cuando podemos ver las tendencias y los intereses que han movido a estos cineastas, cuando alguno de los títulos que vamos a ver ha alcanzado un cierto status de culto o, al menos, consolidación más allá de los parámetros comerciales o de éxito puntual.

Los cinco pilares del horror francés del nuevo milenio son, en mi humilde opinión y por orden cronológico, las siguientes:

• Haute Tension (2003)
• À l’Intérieur (2007)
• Frontiere(s) (2007)
• Martyrs (2008)
• La Horde (2009)

Vamos a discutir cada una de ellas y al final veremos los puntos en común del conjunto.

Análisis

1. Haute Tension (Alexandre Aja, 2003). Probablemente sea la más floja y vacía de contenido de las cinco. Una pareja de lesbianas, Alexia y Marie, se retira a la casa de campo familiar de una de ellas. Tras una puesta en escena de más media hora totalmente insustancial, el horror irrumpe en la casa en forma de paleto asesino, una suerte de redneck galo que, sin motivo aparente, desencadena una matanza familiar en la casa de lo más sangrienta. Hay que otorgarle cierto valor a la intensidad y brutalidad de sus asesinatos, que nos hacen dar un salto en el asiento e incluso nos dan un punto de dentera. La violencia extrema y algo retorcida (la decapitación en la escalera es ciertamente rebuscada) es mostrada sin cortapisas y su explicitud adquiere un valor en sí mismo. A partir de ese momento la película se convierte en una persecución, un juego del ratón y el gato, entre el asesino y la pareja superviviente, una sucesión de situaciones en las que poco a poco vamos viendo que hay algo que no cuadra. Y es que, efectivamente, nada es lo que parece. Pero ese giro argumental (o twist, como lo llaman los connoisseurs) que desvela el auténtico horror de la identidad del asesino no es para nada sorprendente. De hecho, la película decide no jugar la carta del “último minuto” y prefiere deshilar poco a poco el misterio de lo que realmente le ocurre a Marie, quizá porque cientos de películas han jugado ya esa misma carta antes, ese mismo juego esquizofrénico, que ha dejado de ser convincente. Lo cual hace que Haute Tension gane ciertos puntos al negarse a depender del típico shock value de una revelación final y confiar en el terror intrínseco del hecho en sí, a pesar de su evidente falta de originalidad. A pesar de todo esto, es una película sin pretensiones que simplemente pretende ser un baño de sangre… y lo consigue. Representa, de cualquier modo, un interesante inicio que sin duda influyó en las películas que venían a continuación. ★★★

2. À l’Intérieur (Alexandre Bustillo, Julien Maury, 2007). Otro Alex se vuelve a poner a los mandos del terror extremo, en esta ocasión con mucha más carga violenta y, al mismo tiempo, más contenido o trasfondo para delicia nuestra. La extrañeza que causa en el espectador los eventos que se van sucediendo, así como la confusión ante la irracionalidad y lo inexplicable se va transformando en hipnosis según se van desvelando los motivos de la oscura y extraña mujer que acosa a Sarah y la asalta en su propia casa interpretada por una fantástica Béatrice Dalle, a la que yo personalmente echaba de menos. Sarah está a punto de dar a luz a su primer hijo y es viuda desde hace cuatro meses, cuando en pleno ecuador de la gestación la pareja sufrió un accidente de tráfico que se llevó la vida de Matthieu. Esta tragedia es el auténtico punto de partida de esta historia… y la historia va a peor, descendiendo cada vez más a los infiernos, sin concesiones ni complacencias. El infierno que se va desenvolviendo cuando esa misteriosa y temible mujer que aparece de la nada reclama lo que hay en el interior de Sarah va acompañado, de nuevo, de una apoteosis sanguinolenta y de elevadas dosis de violencia y dentera, siendo algunas de las brutalidades mostradas totalmente bizarras y rozando –salvando las distancias– el cronenberguismo (…esas tijeras intentando abrir en canal el bombo de Sarah por el ombligo… esos golpes que se da contra paredes y esquinas con la barriga…). Por momentos, la película se aleja de lo creíble o ‘normal’, pero no importa demasiado ya que el interés que tenemos por lo que ocurrirá con Sarah se eleva sobre los detalles y se consigue la famosa “suspensión de la incredulidad”. Quizá aquella escena en la que el policía que creíamos muerto en el salón ‘revive’ quede un poco fuera de contexto, pero se puede encuadrar dentro de un retorcido sentido de humor de género que no deja de detectarse a lo largo de la cinta. Tampoco nos importa la bajísima calidad de los CGI usados en los momentos en que nos muestran al bebé en el interior de Sarah cuando recibe golpes y se desatan hemorragias en el líquido amniótico. Todos esos detalles quedan eclipsados cuando lo que realmente nos importa es la atávica lucha de maternidades más allá de la venganza, la visceral lucha de voluntades que se desencadena en la casa y que empañará de sangre y vísceras cada pared, cada esquina, cada escalón, cuando se va cobrando víctima tras víctima. La casa se va oscureciendo, enrojeciendo, enrareciendo, y en las escenas finales parece que estamos en un escenario de pesadilla, una antesala del infierno, o quizá la penumbra de un útero convulsionado. ★★★★

3. Frontiere(s) (Xavier Gens, 2007). Con Frontiere(s), de Xavier Gens, se volvió a bajar el listón un punto y se volvió a niveles de Haute Tension, lo cual no está nada mal si quieres una buena dosis de gore. En cierto modo sigue el patrón de unos jóvenes de ciudad que van al campo y se encuentran con unos brutos provincianos con tendencia a destripar a los forasteros. En cierto modo, es una especie de Chainsaw Massacre (“Matanza de Texas”) en la campiña francesa, mezclada con un trasfondo político –sí, sí, habéis leido bien, político–, relacionado con la reciente y oscura historia del continente europeo. Unos jóvenes musulmanes parisinos huyen de la policía tras unos disturbios contra la posibilidad de una victoria de la ultraderecha en las elecciones generales. Abandonan París y se dirigen en coche a una región que, al parecer, linda con Alemania, y se esconden en una posada perdida en el campo. Se pueden trazar una línea que entronca con películas como Hostel de Eli Roth, por esa visión terrorífica de la Europa profunda que inspiran los enclaves malditos de las Guerras Mundiales, por el interés por el torture-porn y el canibalismo, la mutilación y muchas otras metáforas con los convulsos conflictos del continente. Parece incluso que se juega con la ironía de que captores y cautivos representan dos colectivos que tienen un enemigo histórico común: los judíos. Y es que pronto sabremos que el patriarca de la trastornada familia de caníbales que regenta la posada es un antiguo oficial de las SS y criminal de guerra nazi, Le Von Geisler, que lidera con puño de hierro a sus exaltados y ultraviolentos hijos e hijas. Los intentos de Le Von Geisler por hacer de Yasmine, una de las jóvenes cautivas, un nuevo miembro de la familia (“impuro”, eso sí) y convertirla en vientre de alquiler para una nueva generación de nazis es acompañada con sus intereses culinarios y las brutalidades que suponen: descuartizar, embalsamar, curar con sal… e incluso cocer especímenes vivos cual marisco. La endogamia entre lo francés y lo alemán en esta familia de dementes parece reflejar una mezcla antinatura franco-germana que habría surgido del odio entre ambas naciones en el punto de fricción de sus peores conflictos: la guerra como punto de unión de una familia (¡una cultura!) basada en la locura más desviada. Quizá la película adolezca de un punto absurdo por intentar elevar el nivel intelectual de su guión en base a un pretendido valor político o una metáfora histórica que no añade gran cosa a la auténtica razón de ser de la película: sangre, violencia, angustia, mutilación, secuestro, tortura, endogamia, martillazos en la cabeza y claustrofobia. Pero lo que está claro es que en cada elemento de esta lista podemos marcar un “OK” para Frontiere(s), con lo que obtenemos una nueva y hasta cierto punto satisfactoria muestra de la brutalidad gala. ★★★

4. Martyrs (Pascal Laugier, 2008). Con Martyrs volvemos a elevarnos (nunca mejor dicho), recuperando una calidad apoyada por un trasfondo que, en esta ocasión, apunta bien alto. Las pretensiones de esta cinta no son tan físicas y viscerales como en À l’Intérieur, sino que la violencia desatada tiene una razón trascendental, existe un método para esta brutalidad. Ví Martyrs porque me la recomendó una amiga australiana que canta en un grupo de punk-rock y tiene tatuajes de zombies en sus pantorrillas. La verdad es que ya escribí sobre esta película en FilmBunker.NET, donde hablé de su inusitada estructura y su marcado planteamiento argumental dividido en dos partes completamente diferenciadas que dan la impresión de que estamos viendo dos películas totalmente distintas. Y hay un motivo para ello, si bien el Misterio (en un sentido que roza lo religioso, cual secreto de fe) no se desvela hasta el final… si es que lo hace. Esta ambigüedad, esta ignorancia en la que nos sume la historia, esa inquietud y ese “¿por qué?” que se cuelga en nuestra mente desde el principio, pero sobre todo en la segunda parte, son al mismo tiempo desagradables y adictivos. Os animo a visitar el artículo de FilmBunker; allí entraremos a discutir la propuesta mística que se elabora al final de la película y diseccionamos de una de las historias más estimulantes para el devaneo mental que ha dado el cine de terror de los últimos años (no sólo francés). Y no temáis, la película de Pascal Laugier no tiene ningún rollo intelectual ni deja de ser pura acción y puro terror (en la primera parte) para dejar paso a la violencia brutal y extrema de algo muy parecido al torture-porn (en la segunda parte). Cuchillas de afeitar cortando venas, más martillazos en la cabeza, y otras bizarradas como metales clavados al cuerpo y despellejamientos harán las delicias de los fans más extremos sin dejar indiferente a quien busca algo más. ★★★★

5. La Horde (Yannick Dahan, Benjamin Rocher, 2009). Nos acercamos al final de la década y La Horde vuelve a acercarse de nuevo a un cine más inmediato, de consumo fácil pero ciertamente brutal y muy (no encuentro otra palabra) francés. Se trata, ni más ni menos, que de una película de zombies. Lo realmente interesante es que se encuadra en un contexto socio-cultural muy interesante: un edificio de pisos de un suburbio parisino donde una serie de personajes del oscuro mundo del crimen se enfrentan a una horda de muertos vivientes en el mismísimo día en que se desata el apocalipsis zombie. Actitudes de macho-alfa enfrentadas, violencia extrema y matanzas sin paliativos definen una cinta en la que no hay descanso, la cocaína y la locura van por libre y las armas se convierten en la esperanza de los violentos. Todo un entretenimiento con una factura impecable y un final desesperanzador muy en la línea de estas películas. Es imposible endulzar una tonelada de mierda y vísceras. Para qué intentarlo. ★★★★

Los puntos en común

No englobaría a estas películas en el mismo saco sólo por el mero hecho de ser francesas y pertenecer a un período concreto. Creo que forman parte de una generación de obras que comparten una serie de elementos que nos permiten estar hablando de este nuevo cine de terror francés, o quizá deberíamos decir “cine brutal francés”. Brevemente, creo que esos elementos son los siguientes:

• La mujer. Es evidente el papel protagonista de las mujeres en estas películas, en concreto es curioso encontrar un interés por el lesbianismo (como representación completa del mundo femenino) como ocurre en Haute Tension y Martyrs o, cuanto menos, del encuentro entre dos fuerzas femeninas como vemos en À l’Intérieur. Si bien en La Horde estamos en un mundo masculino, el personaje de la agente de policía Aurore aporta esa dureza y esa intensidad que se pueden encontrar en los otros filmes y que, de hecho, influye en el devenir de los acontecimientos.

• La brutalidad. Con unos efectos especiales más que competentes, se muestra la brutalidad de los impactos craneales y los destrozos corporales sin ningún tipo de tapujos. De alguna manera, la violencia de estas representaciones es realizada y mostrada de un modo que puede revolver incluso al die-hard fan más versado en el gore más extremo. El interés expresado por estas películas por mostrar la bestialidad más intensa fluctúa entre el sadismo puro, el humor malsano, el sinsentido más absoluto o, en muchos casos, el apoyo visual necesario a una historia que no puede ser contada de otra manera.

• El trasfondo. Excepto en el caso de Haute Tension, donde no hay historia que contar más allá del tour de force psicótico entre Marie y el asesino, todas estas historias se valen en mayor o menor medida de un cierto trasfondo temático como lienzo sobre el que pintar con sangre. Ya sea el remanente nazi en la más oscura de las Europas imaginables, o la maternidad como fuerza asesina, o el misticismo escatológico que roza el asunto del ‘sentido de la vida’, cada uno de estos títulos se aleja de la vacuidad de una simple excusa para mostrar asesinatos. Quizá sea solo un disfraz (sobre todo en el caso de Frontiere(s)), pero de vez en cuando se agradece un engaño si éste es bueno.

• Europa. Si bien muchos de los directores españoles actuales tienden a globalizar sus historias y evitar los localismos y las variantes culturales, las películas mencionadas en este artículo son plenamente francesas, y más aún, europeas, tanto en sus coordenadas de ubicación geológica como en sus variantes culturales, sus costumbres, su idioma y su historia. Ciertamente, algunas de ellas han triunfado internacionalmente porque no tratan la sociología ni la intrahistoria del continente de un modo inaccesible para espectadores no europeos, pero es cierto que la campiña francesa, la historia europea de las Guerras Mundiales, las tendencias políticas de la juventud y los modos de expresión de la clase media del continente están ahí.

• Sangre. Todo el mundo termina bañado en sangre. En todas estas películas vemos a una mujer totalmente empañada de rojo intentando recopilar lo poco de cordura que le queda. Rojo profundo cubriendo la totalidad de su cuerpo, y dos puntos blancos de una mirada desquiciada.

Mientras algunos están empeñados en hacer un remake de Europa estos días, lo cual puede ser más o menos necesario, otros se han puesto manos a la obra y parecen dispuestos a amargarnos el 2012. Últimamente nos hemos enterado de que hay en preparación una serie de remakes de películas, de género todas ellas (lo cual es un agravante), películas que funcionan y se sostienen bastante bien y que no han envejecido suficiente como para necesitar un alicatado nuevo. Como decía la MujerBala_, “No llego a entender el concepto remake de una peli de menos de 20 años. Llámame clásica”. En fin, que las afrentas son las siguientes.

American Psycho

American Psycho es una película de este mismo milenio (del año 2000 concretamente) que, sin ser de mi estilo ni totalmente de mi gusto, estaba bastante bien. Basada en una novela de Bret Easton Ellis —que tampoco es un escritor que me derrita el helado, con perdón de sus seguidores— era una construcción interesante y afilada de un personaje jodido y malvado, Patrick Bateman, un serial-killer extraído del mundo yuppie de los 80, un ejecutivo asesino cuya epopeya daba pie a una de las historias más descarnadas y sanguinolentas de la cultura pop de los 90. La película tiene momentos extremos, algunos de ellos geniales, como aquella escena en la que Bateman disecciona la discográfica de Whitney Houston justo antes de diseccionar a su próxima víctima, o esa imagen que no puedo borrar de mi mente en la que el personaje, interpretado a tiralínea por Christian Bale, se está follando a un par de putas mientras contempla sus propios bíceps en un espejo al fondo del cuarto. No necesitamos ver esto rodado desde otro ángulo ni con otros actores. No necesitamos arreglar esta película; no está rota. No es una maravilla, pero tiene un cierto aire de culto para muchos y nadie reclamaba revisitar esta historia que, por otro lado, será un anacronismo en este 2012 que se nos echa encima. Por cierto, hubo una American Psycho 2 – An American Girl que no he visto, y que seguramente no merezca la pena, pero que respeto de antemano mucho más que este remake, esta cosa, que se va a perpetrar con el beneplácito del propio Ellis, quien ya ha dado el OK a una estrella de los reality shows de EEUU para interpretar a Bateman como hemos podido leer. El encargado de escribir el guión será un tal Noble Jones del que no se conoce absolutamente nada, pero que, de nuevo, cuenta con el beneplácito de Ellis, de quien, por cierto, se dice que ha sido visto paseando por Hollywood con una arroba por sombrero.

Evil Dead

Mucho más penoso resulta pensar en el remake que algunos desaprensivos planean hacer del clásico, de la mítica cinta de culto, de esa cumbre del cine de horror, de “the Ultimate Experience in Grueling Horror”… de Evil Dead.  Sí, amiguitos, habéis leído bien. Evil Dead, ni más ni menos… ¡¡Posesión Infernal!!. Las noticias que nos llegan al respecto son, además, de lo más desalentadoras. No es sólo que Sam Raimi no piense dirigirla (aunque, sinceramente, para mí Raimi ha perdido toda su frescura desde el primer Spiderman), es que parece que el tipo se está tomando todo este tema como una simple manera de hacer pasta. Ni siquiera se están preocupando de mantener nada en secreto; de hecho ya se ha filtrado el argumento… por parte de los propios productores. Al parecer han extirpado el aire ‘camp’ y de dibujo animado de la original (o sea, nada de humor), y se han ido a rodar a Nueva Zelanda, un entorno radicalmente distinto a la hojarasca y la sequedad de los bosques americanos del original. La motivación que provoca el viaje a la cabaña es la de tratar la drogodependencia de una de las protagonistas. Nada de fiesta adolescente, esto son problemas reales de gente real, psicología o sociología barata para dar crédito a una historia “seria”, o más bien, a un telefilm de sobremesa. Pero lo peor de todo es que han eliminado al personaje de Ash… Entiendo que no aparezca Bruce Campbell, el mito está entrado en años y ni siquiera tiene sentido que aparezca haciendo un cameo. Pero que eliminen a Ash, el espíritu y vehículo de la saga, es una decisión inopinada que convierte a este proyecto en un remake de cualquier cosa excepto de la maravillosa y entrañable Evil Dead de nuestros amores. Por cierto, este “remaque” elimina toda posibilidad de ver un Evil Dead 4, al menos a medio plazo, y todavía no sé si eso es bueno o malo. En fin, ojalá me equivoque, pero todo esto pinta fatal.

Oldboy

He dejado para el final el remake más absurdo y ridículo de los muchos que veremos en los siguientes 12 o 24 meses. Se trata, sin duda alguna, del que Spike Lee planea hacer del clásico de Chan-wook Park, OldBoy. Sí, amigos, Oldboy, esa piedra angular de Oriente y Occidente, ese pivote de cinefilia, kilómetro cero de una de las mejores trilogías de los últimos años, esa mirada profunda en el interior de la venganza y la violencia salvaje. A muchos nos descubrió el cine surcoreano y a algunos más nos descubrió a un director muy personal que refrescó la forma de hacer cine e inspiró a toda una generación de cineastas y aficionados. La historia de un hombre que es enjaulado por 15 años solo para ser liberado con un móvil, ropas nuevas y dinero, y que tiene 5 días para entender por qué le han hecho aquello es una de las historias más surrealistas pero, al mismo tiempo, más poderosas y efectivas que hemos visto últimamente. La película es, en sí misma, una adaptación de un manga publicado en Weekly Manga Action entre 1996 y 1998 y del que las críticas decían que “títulos como este se toman su tiempo para recrear un fantástico mundo de drama y paranoia”. Un guión así, en la pantalla grande, sólo funciona con una dirección apabullante y un impulso frenético, con sangre en las venas y fuera de ellas. Entiendo que cuando Spike Lee vio aquello, deseó haber sido él quien hubiese firmado tal maestría. El otrora gigante del cine de minorías (y es que Lee tuvo su época dorada con Do the right thing, Mo’ better blues y Jungle fever) anda perdido, buscando su identidad y su voz en un mundo en que Obama ya es presidente. Los guonistas encargados de darle un guión a este empeño son los propios autores del manga original, lo cual en cierto modo me deprime. No porque no sea adecuado, sino porque me hace pensar en cómo muchas veces los propios creadores pierden la perspectiva de lo que le sienta bien a su obra. En fin, qué le vamos a hacer. Nada, excepto negarnos en redondo a verla. De momento, Colin Firth ha rechazado la oferta de Lee de ser el villano de la historia (Firth no es mi tipo, pero sabe lo que se hace), aunque de momendo Josh Brolin está confirmado como protagonista. Por cierto, ¿recordáis cómo todos nos llevamos las manos a la cabeza cuando Steven Spielberg pretendía hacer este remake con Will Smith como protagonista? Ah, aquellos eran buenos tiempos, aquellos no eran disgustos como estos. Pero ya nada tiene sentido. El mundo es un caos fenomenológico de moléculas en ebullición. Nada más que eso.

EDITO: Y ahora un remake de “Perros de paja”… ¿POR QUÉ?!!! ¿POR QUÉ?!!! AAAAARRRGHHHH!!!!!!!!!!!!!!

DC vs. Marvel

Jade es una estudiante de 11 años que tengo en mi clase de lectura. La niña es bastante inteligente y suele realizar comentarios acerca de las dinastías faraónicas del antiguo Egipto o sobre asuntos científicos usando palabras y manejando conceptos que sus compañeros ni siquiera han oido antes.

Pues bien, se da la circunstancia que la chica es una friki, y como sabe que a mí me gustan los cómics, me ha dedicado un texto explicándome cuál es su editorial favorita, Marvel o DC. Creo que no debéis perderos el razonamiento, las referencias y el modo de expresarse de esta pequeña dama que ni siquiera tiene una personalidad formada pero, desde luego, sí una opinión. Y os aseguro que no sólo acerca de los superhéroes que a ella le gustan.

Repito, ONCE AÑOS. Os aseguro que no he modificado ni una coma. Allá va, primero el original seguido de una traducción rápida:

Which is Better Marvel or DC? By Jade

There are many reasons and arguments over which is better Marvel or DC (detective comics) and this is my say on the matter. I personally think that DC is better in many ways but there are also several things that Marvel has that DC doesn’t so you be the judge and tell me what you think.

DC comics were founded 1934 and is owned by Warner Bros. And is still producing materials featuring many well-known characters but these are the top 5 most popular DC superheroes (in this order) Batman, Superman, Flash, Green Lantern and Robin/Nightwing/Dick Grayson. But the top 5 Marvel superheroes are (in this order) Spiderman, Captain America, Daredevil, Thing, and then Wolverine (surprised? because I am). Then DC has alliances like Justice League, Green Lanterns, Justice Society, Teen Titans, and Young Justice, while Marvel has alliances like Avengers, X-men, and Illuminati (what is Illuminati I’ve never heard of it and I’m the Nerd).

When you non-comics readers think of superheroes you probably think of Superman or Batman. The reason probably is that DC has been around longer (by five years). DC characters are usually more powerful (almost invincible) while Marvels characters are more of the underdogs trying to handle both powers and a perfectly normal life. So if you want a comic where the person is the best chose DC, but if you want a comic where they are the underdogs constantly getting beat up by the bad guys chose Marvel.

Have you seen Young Justice on Cartoon Network? If you said, “yes” than you are very sensible in your media. If I had to say one thing that I like more about Marvel I’m sorry, But they have better movies their movies are lifelike and have a feel that DC just can’t get right (with the exception of Batman movies). DC has better-animated TV series for example they have Teen Titans, and Young Justice and the less popular Batman Brave and The Bold all of which are broadcasted on Cartoon Network. The Marvel TV series you might ask, they have nine animated series on Disney XD, But they are almost all on during times of the day when your either not home or in the middle of the night. I don’t have a great knowledge of Marvel TV series because they’re never on so I can’t tell you much.

My final reason that you all should chose DC over marvel is that Marvel tries to hard to be “Human” they make their characters too relatable and often whiny for example Spider-Man also known as Peter Parker a high school nerd who was bit by a radio active spider. Where as DC had characters that you look up to and they never whine about the events happening before them of their pasts for example Bruce Wayne his parents died when he was a kid and instead of feeling sorry for himself swore revenge on crime.

So would you rather read about a character that struggling to finish their homework or would you want action packed comics with a suspense filled plot? Your choice though I would still recommend DC.

Aquí tenéis la traducción al español si la necesitáis:

¿Cuál es mejor, Marvel o DC? Por Jade

Hay muchas razones y argumentos sobre cuál es mejor, Marvel o DC (Detective Comics) y esta es mi opinión sobre el asunto.Personalmente, creo que DC es mejor en muchos aspectos, pero también hay varias cosas que Marvel tiene que DC no por lo que juzga tú mismo y dime lo que piensas.

DC Comics fue fundada 1934 y es propiedad de Warner Bros., y sigue siendo la productora de materiales con muchos personajes conocidos, pero estos son los 5 superhéroes de DC más populares (en este orden): Batman, Superman, Flash, Linterna Verde y Robin / Nightwing / Dick Grayson. Sin embargo, los 5 primeros superhéroes de Marvel son (en este orden) Spiderman, Capitán América, Daredevil, La Cosa, y Wolverine (¿sorprendido? yo sí). A continuación, DC cuenta con alianzas como la Liga de la Justicia, Linterna Verde, Sociedad de la Justicia, Teen Titans y Young Justice, mientras que Marvel tiene alianzas como Avengers, X-men, y los Illuminati (de Illuminati nunca he oído hablar y eso que yo soy la Nerd aquí).

Cuando los que no leen comics piensan en superhéroes suelen pensar en Superman o Batman. La razón probablemente es que DC ha existido por más tiempo (cinco años). Los personajes de DC son normalmente más poderosos (casi invencibles) mientras que los personajes de Marvel son personas desamparadas tratando de manejar sus poderes mientras llevan una vida perfectamente normal. Así que si quieres un cómic donde el personaje es poderoso, tu elección es DC, pero si quieres un cómic en el que el héroe es constantemente golpeado por los malos, elige Marvel.

¿Has visto a Young Justice en Cartoon Network? Si la respuesta es sí, es porque sabes elegir tus programas de TV con sensatez. Si tuviera que decir una cosa que me gusta más acerca de Marvel: Lo siento, pero tienen mejores películas y tienen una calidad que las de DC no terminan de conseguir (con la excepción de las películas de Batman). DC tiene mejores series animadas de TV, por ejemplo, tienen los Teen Titans y Young Justice y la menos popular Batman the Brave and The Bold todos los cuales se emiten en Cartoon Network. Marvel tiene nueve serie animadas en Disney XD, pero son casi todas durante las horas del día cuando no estamos en casa o en la mitad de la noche. No tengo un gran conocimiento de las series de televisión de Marvel porque lo que no puedo decir mucho.

Mi última razón por la que todo el mundo debería elegir DC sobre Marvel es que Marvel intenta hacer “humanos” a sus personajes con los que es muy fácil identificarse y que a menudo son unos lloricas, por ejemplo, Spider-Man también conocido como Peter Parker, un nerd de la escuela secundaria que fue mordido por un araña radioactiva. Mientras que en DC hay personajes que admiras y nunca se quejan de los acontecimientos que les suceden ni de su pasado; por ejemplo, Bruce Wayne. Sus padres murieron cuando él era un niño y en lugar de sentir lástima de sí mismo juró venganza contra el crimen.

Así que, ¿prefieres leer sobre un personaje que lucha por terminar sus deberes, o quieres comics lleno de acción con una trama llena de suspense? Tu eliges, aunque aun así, yo recomendaría DC.

Además, tiene buen gusto. Chúpate esa.

El otro día aprendí una nueva abreviatura, de esas que tanto les gustan a los estadounidenses. Si ya pusieron el listón bien alto con BYOB y OOT (“Bring your own beverages” y “Out of town”), de nuevo han vuelto a hacerlo, han vuelto a llamar mi atención plenamente con ‘PDA‘. Y no, no se refiere a personal digital assistant ni a una especie de smartphone. Las iniciales PDA significan “Public Display of Affection” (demostración pública de afecto), y me recuerdan a otras que ya conocía, TMI, que significan “too much information”, aplicables cuando alguien está siendo demasiado explícito con algo.

Y es que el otro día recibí un e-mail de uno de mis jefes en este santo lugar, enviado a toda la comunidad docente, diciendo literalmente que “le revuelve el estómago ver demostraciones públicas de afecto”. Que es absolutamente inapropiado que los estudiantes se abracen en una escuela, por no hablar de besarse. Que es profundamente vergonzoso, tanto para quienes lo practican como para los que tienen la ‘desgracia’ de contemplarlo. Involuntariamente, claro. Y estoy transcribiendo literalmente, que conste.

El e-mail venía rematado con una de esas firmas personalizadas que, a continuación de los datos de contacto, incluía el “Husker Prayer”, la oración al Señor pidiendo por el equipo universitario de football de Nebraska, los Cornhuskers. Un himno sagrado. No, no estoy de coña.

Pero es que el tema sexual es algo que alcanza cotas de puritanismo difíciles de describir, si bien después se da la contradicción de que hay una tasa de embarazos adolescentes que rompe todos los moldes, al menos los europeos. “Kids having kids”, es como se refieren al tema. Y es que si no dejas a los chavales que se miren, ni se rocen, ni se sienten juntos, y comprar condones es algo impensable (en un pueblo pequeño como este, la noticia se extendería como la pólvora), qué esperas que hagan cuando se emborrachen por primera vez y se queden a solas en el maizal. Para que os hagáis una idea, en mi instituto (600 chavales de entre 12 y 15 años) había 5 estudiantes embarazadas el año pasado. Y en el High School tienen guardería. Para los hijos de las estudiantes, muchachas de entre 15 y 18 años. En serio.

Y es que los estudiantes, en los autobuses, no se pueden sentar junto a compañeros del mismo sexo. Chicos y chicas forman filas separadas para entrar en clase tras el recreo. Toda ocasión en la que se puede dar cercanía física, o contacto directo, se evita. Las niñas de 11 años reciben reprimendas si llevan leotardos, por dejar ver su figura. Por el amor de dios, 11 años. Hay que estar muy mal para pensar que el cuerpo de una niña de 11 años es algo que produce pudor o excitación. Es increíble. Del mismo modo, cuando se organiza un juego de football mixto, se organiza de tal modo para que el Center y el Quarterback sean también del mismo sexo, ya que al inicio de una jugada el Center se agacha y se queda con el trasero en pompa, tan sólo medio metro por delante de la cara del Quarterback, también agachado y justo detrás del Center. Os recuerdo que estamos hablando de niños de 12 años.

Pero qué os podéis esperar de un lugar donde la gente se pone pegatinas en el coche que dicen “We support our troops”, “Freedom is not Free”, “Proud mom of a Marine”, “It’s a child, not a choice”, “We do not call 911″ (con un dibujo de un revólver), o mi preferida, la que dice “Miss me yet?” (con una foto de un sonriente George W. Bush). Y seguro que me estoy olvidando muchas otras, igualmente jugosas. Las puedes comprar en todas las gasolineras, desde donde terminan las Rocosas hasta el borde Oeste de Illinois.

Os dejo con la mencionada “Oración de los Huskers”. No os la perdáis, por favor… (estaba entre esto y el vídeo de Vulgar Display of Power de Pantera, pero he optado por la divulgación)